Marie Menken – Andy Warhol

Título: Andy Warhol 
Director: Marie Menken
Año: 1965
Duración: 17:25
Color: Color
País: USA

Andy Warhol y Marie Menken tuvieron un notable intercambio creativo durante la década de los sesenta. Menken participó como actriz en The Life of Juanita Castro (1965) y Chelsea Girls (1966) y el pintor y cineasta fue protagonista de la pieza de carácter documental Andy Warhol (1967) en la que la directora aborda un día de trabajo en la Factory. Un retrato íntimo del artista en el proceso de creación de algunas de sus obras más famosas, incluidas las cajas Brillo, la serie Jackie y las serigrafías Flowers.

Ernie Gehr – Side/Walk/Shuttle

Título: Side/Walk/Shuttle 
Director: Ernie Gehr
Año: 1991
Duración: 41:10
Color: Color
País: US

Side/Walk/Shuttle es una reflexión sobre el paisaje urbano y sus sistemas de circulación, que consta de veinticinco planos en movimiento de escenas filmadas desde el ascensor de un hotel. La ciudad sube y baja, gira y se inclina convirtiéndose en algo que remite más a las ciudades invisibles narradas por Italo Calvino que a una ciudad real. Es un retrato de San Francisco psicogeográfico y hauntológico que sublima las memorias de lugares por los que Gehr estaba acostumbrado a pasar.

Pat O'Neill – Horizontal Boundaries

Título: Horizontal Boundaries 
Director: Pat O'Neill
Año: 2009
Duración: 22:51
Color: B/N + Color
País: USA


Horizontal Boundaries es un retrato de Los Ángeles bajo el signo de la alteración, la interrupción y la reexpresión cinematográfica. Realizada en 2009 por el cineasta experimental Pat O’Neill, uno de los pioneros en la introducción de gráficos hechos por ordenador y cofundador de la escuela Cal Arts (California) de cine y vídeo a principios de los sesenta, la película contiene algunas de las más laboriosas superposiciones fílmicas manuales jamás editadas.

Ugo Ulive – Basta

Título: Basta 
Director: Ugo Ulive
Año: 1969
Duración: 21:05
Color: B/N
País: Venezuela

De no haber sido por la defensa que hizo el crítico Alfredo Roffé en la revista Cine al Día, Basta probablemente habría pasado al olvido. Fue una de las primeras películas realizadas por el Centro de Cine Documental de la Universidad de los Andes. Y también un filme de apoyo a los reductos de lucha armada que persistían en el país, tras la derrota política que representó para la guerrilla el triunfo del candidato de la oposición Rafael Caldera en los comicios presidenciales de 1968.

Andy Warhol – Screen Test: Savador Dalí

Título: Screen Test: Savador Dalí
Director: Andy Warhol
Año: 1966
Duración: 00:27
Color: B/N
País: USA

Entre 1964 y 1966, Andy Warhol creó casi quinientos Screen Tests de personas, famosas y anónimas, que pasaron por su estudio The Factory. Algunas de estas personalidades pertenecían al mundo de la poesía, de la música, de la moda, del cine y del arte como Allen Ginsberg, Lou Reed, Bob Dylan, Nico, Edie Sedgwick, Dennis Hopper, Marcel Duchamp o Salvador Dalí, que aquí aparece impertérrito en una breve toma de uno de los dos screen tests a los que fue sometido.

Leslie Thornton – Peggy and Fred in Hell: The Complete Cycle

Título: Peggy and Fred in Hell: The Complete Cycle 
Director: Leslie Thornton
Año: 1985-88
Duración: 01:31:22
Color: B/N
País: USA

La artista afincada en Rhode Island Leslie Thormton sorprendió en 1988 con un trabajo inclasificable que había desarrollado sin ninguna prisa durante varios años, titulado Peggy and Fred in Hell: The Complete Cycle. Un ejemplo temprano de collage con medios mixtos en el que vídeo, cine, instalación y objetos reales se combinan para narrar una historia fragmentada acerca de un par de niños fugitivos en un mundo postapocalíptico.

Nobuhiro Kawanaka – Kick the World

Título: Kick the World 
Director: Nobuhiro Kawanaka
Año: 1974
Duración: 15:32
Color: B/N
País: Japón

Kick the World es un cortometraje sobre un hombre que camina por un parque mientras patea una lata. Una de las primeras, más célebres e influyentes obras de vídeo arte en Japón, firmada por un jovencísimo Nobuhiro Kawanaka, co-fundador de la Japan Filmmakers Cooperative, del Underground Center and Image Forum, miembro del colectivo Video Hiroba, jefe editor de la revista de cine Monthly Image Forum y creador de la serie Video Letter Exchanges, en colaboración con Sakumi Hagiwara.

Lois Patiño – Duration-Landscape. Rocks.

Título: Duration Landscape Rocks
Director: Lois Patiño
Año: 2011
Duración: 04:19
Color: Color
País: España

Lois Patiño, uno de los puntales del Novo Cinema Galego junto a Óliver Laxe y Alberto Gracia, es hijo de los pintores abstractos Antón Patiño y Menchu Lamas. Y quizás por eso esta película pueda definirse con un sencillo y conciso refrán: de casta, le viene al galgo. Porque en sus apenas cuatro minutos de metraje, lo que el cineasta pone a disposición del espectador es un hermoso cuadro en movimiento, un reloj que mide el paso del tiempo y pide a gritos que no se acabe nunca.

Bill Morrison – The Dockworker's Dream

Título: The Dockworker's Dream
Director: Bill Morrison
Año: 2016
Duración: 18:35
Color: B/N
País: Portugal

Bill Morrison suele rodearse de compositores modernos para dar sonido a películas en las que emplea imágenes de archivo con las que contar nuevas historias. Pero aquí hace algo diferente. Recurre a The hustle, una canción de dieciocho minutos de la banda norteamericana de Nashville Lambchop, para poner sentimiento y emoción a esta historia de estibadores portuarios, por encargo de la Cinemateca Portuguesa. Un viaje río abajo, al puerto, a las fábricas, a los pueblos, las familias y, al final, a lo desconocido.

Alexandre Larose – Le Corps Humain

Título: Le Corps Humain 
Director: Alexandre Larose
Año: 2008
Duración: 03:30
Color: B/N
País: Canadá

En Le Corps Humain, el artista franco-canadiense afincado en Montreal Alexandre Larose pone en liza las cualidades que le han proyectado como realizador más allá de los cánones comerciales: su capacidad para desarrollar narrativas ingeniosas y su dominio de todas las técnicas de montaje. Editada en la propia cámara y procesada a mano, la película es un retrato de cuatro generaciones, capturado en un solo rollo de película de super8mm.

Tasman Richardson – Eyecandy

Título: Eyecandy 
Director: Tasman Richardson
Año: 2005
Duración: 03:59
Color: Color
País: Canadá

Tasman Richardson es un artista de vídeo, compositor electrónico y diseñador gráfico cuyo trabajo se centra en la telepresencia, la apropiación, la sinestesia y la edición de JAWA (de la que es fundador). En Eyecandy, presentada en 2005 en el Museum of Contemporary Canadian Art, aplica su desbordante e hiperacelerado talento en la edición a costa de fragmentos de películas como Village of the Damned, Night Gallery, Halloween 3, Devil's Rain, Omega Man o Somebody's Watchin' Me.

Fugazi – Waiting Room

Título: Waiting Room 
Director: Fugazi
Año: 2000
Duración: 02:37
Color: Color
País: Finlandia

La banda estadounidense de post-hardcore Fugazi lanzó su primer EP en noviembre de 1988 a través del sello Dischord Records. La canción que abría el disco era Wainting Room, uno de los grandes clásicos del grupo que en este documento interpretan en una sala de Helsinki (Finlandia) el 10 de octubre del año 2.000. Dos minutos y pico de rabia, contundencia, concisión e intensidad de la mano de los siempre inspiradísimos Ian MacKaye, Guy Picciotto, Joe Lally y Brendan Canty.

Colin V. Barton – Intestinal Fortitude

Título: Intestinal Fortitude 
Director: Colin V. Barton
Año: 1991
Duración: 02:48
Color: Color
País: USA

Colin V. Barton es un alquimista de las técnicas de impresión óptica y la superposición de capas en la edición. En Intestinal Fortitude recurre a todo tipo imágenes preexistentes para combinarlas de las más variadas formas y presentar una visión sombría y apática del futuro. Cada una de las capas de la película contiene, por su parte, películas separadas e individuales que ponen en marcha narraciones dramáticas que se pisan y solapan, creando una sensación de descontrol y caos.

Peter Hutton – In Titan’s Goblet

Título: In Titan’s Goblet 
Director: Peter Hutton
Año: 1991
Duración: 08:56
Color: B/N
País: USA

In Titan's Goblet hace referencia a un cuadro paisajístico de Thomas Cole de 1833. Peter Hutton rinde así tributo al pintor estadounidense, considerado como el padre de la Escuela del río Hudson, denominación dada a un grupo de paisajistas de mediados del siglo XIX (1825-1875), con una visión estética influenciada por el romanticismo y predilección por una naturaleza salvaje y grandilocuente, representada a menudo con efectos lumínicos y atmosféricos de carácter dramático.

Shuji Terayama – Labyrinth Tale

Título: Labyrinth Tale 
Director: Shuji Terayama
Año: 1975
Duración: 16:17
Color: B/N + filtro de color
País: Japón

Presentado a través de un filtro de color verde, azul y blanco, que a veces consume completamente la película en ajustes de sobreexposición, Labyrinth Tale es un curioso cortometraje sobre dos tipos que llevan una puerta que se abre a diferentes paisajes macabros y extraños. Aunque no queda del todo claro, según su autor, el escritor y director de cine y teatro de vanguardia Shuji Terayama, la puerta funciona aquí como la metáfora de una pantalla de cine.

Jeff Keen – Rayday Film

Título: Rayday Film
Director: Jeff Keen
Año: 1968-70, 1976
Duración: 12:34
Color: Color
País: UK

Desafiando toda categorización, Rayday Film es una especie de homenaje enloquecido a los superhéroes del cómic. En la loca mezcla, aparecen imágenes de juguetes y muñecas que se derriten, secciones de películas dañadas, fragmentos de animación stop-motion y un montaje de clips de televisión que muestran atrocidades cometidas durante la guerra. Un extraordinario universo creativo en el que los parpadeantes collages psicodélicos compiten con el ruido blanco de una una cacofonía de pistas superpuestas.

Ø – Loihdittu

Título: Loihdittu 
Director: Ø
Año: 2008
Duración: 04:53
Color: B/N
País: Finlandia

Ø fue uno de los proyectos personales de Mika Vainio, componente de Pan Sonic y uno de los músicos electrónicos mas reconocidos de Finlandia, fallecido en abril de 2017 a la edad de 53 años. En 2008, lanzó Oleva en formato vinilo para Sähkö Recordings y a él pertenece Loihdittu, quinto tema del disco y otra muestra incuestionable de la capacidad del músico y productor nórdico a la hora de facturar joyas del minimal techno y de la electrónica menos ortodoxa.

Don Letts – The Punk Rock Movie

Título: The Punk Rock Movie
Director: Don Letts
Año: 1978
Duración: 01:19:09
Color: Color
País: UK

The Punk Rock Movie es una película británica de 1978 que se montó a partir de tomas de cámara Super 8 filmadas por Don Letts, el disc jockey del club The Roxy durante los primeros días del movimiento punk rock del Reino Unido. Incluye imágenes de los conciertos de Sex Pistols, The Clash, Wayne County & The Electric Chairs, Generation X, Slaughter and The Dogs, The Slits, Siouxsie and the Banshees, Eater, Subway Sect, X-Ray Spex, Alternative TV y Johnny Thunders & The Heartbreakers.

Hollis Frampton & Joyce Wieland – A and B in Ontario

Título: A and B in Ontario 
Director: Hollis Frampton & Joyce Wieland
Año: 1967
Duración: 16:04
Color: B/N
País: USA

Rodada en 1967, A and B in Ontario fue una coproducción entre Joyce Wieland y Hollis Frampton en la que ambos cineastas construyen un muy particular diálogo cinematográfico, persiguiéndose mutuamente con sus cámaras. El cortometraje se completó dieciocho años después de que el material original se grabara. Tras la muerte de Frampton, la película fue montada por Wieland en 1984 y presentada en el Festival de Cine de Berlín un año después.

Józef Robakowski – Prostokąt dynamiczn

Título: Prostokąt dynamiczny
Director: Józef Robakowski
Año: 1971
Duración: 02:32
Color: Color
País: Polonia

Fundador e iniciador de varios grupos de cine independiente y colectivos artísticos, y una de las figuras más importantes de la neo-vanguardia de los años 60 y 70, Józef Robakowski fue un importante realizador experimental particularmente interesado en la relación entre imagen y sonido. En Prostokąt dynamiczny, un sencillo rectángulo rojo altera rítmicamente sus dimensiones a partir de los patrones musicales del gran precursor de la electrónica en Polonia Eugeniusz Rudnik.

Steven Woloshen – Visual music for 10 voices

Título: Visual music for 10 voices 
Director: Steven Woloshen
Año: 2011
Duración: 03:39
Color: Color
País: Canadá

Visual Music for 10 Voices distingue la fisicalidad de la pista de sonido óptico como si tuviera una identidad única separada de su resonancia real en películas sonoras. Diseñada como una caja negra de proyección en loop, la película de Steven Woloshen trabaja el ritmo y la materialidad de 10 pistas de sonido óptico de 35mm. Cada pasaje musical mantiene su largo original y armonía lineal con las otras pistas, creando de forma colectiva una sensación de movimiento y repetición.

Guy Maddin – Zookeeper Workbook

Título: Zookeeper Workbook 
Director: Guy Maddin
Año: 1997
Duración: 03:55
Color: B/N
País: Canadá

Distinguido y apreciado por su original recreación de la estética del cine mudo y del primer cine sonoro,  Guy Maddin recoge en 1997 parte del material rodado y descartado de su película Maldoror: Tygers, no completada hasta un año después, y construye, prácticamente desde la nada, este cortometraje surrealista protagonizado por un extravagante guarda de zoo. Una muestra del ingenio poco ortodoxo del realizador canadiense, artífice de The Dead Father, My Winnipeg y Odin’s Shield Maiden.

Ian Helliwell – The JFK Puppet Assassination

Título: The JFK Puppet Assassination 
Director: Ian Helliwell
Año: 2013
Duración: 08:08
Color: Color
País: UK

Película performativa concebida por Ian Helliwell para el 50 aniversario del asesinato de John F. Kennedy, presentada en el festival de cine Cinecity en Brighton el 22 de noviembre de 2013. La banda sonora se creó como un collage de audio con extractos vocales, efectos de sonido, bucles de cinta, electrónica y sonidos de radio. Esto proporcionó la base sobre la cual las acciones de la marioneta accionada por Teresa Grimaldi se coreografiaron estrechamente.

Steve Cutts – Man

Título: Man 
Director: Steve Cutts
Año: 2012
Duración: 03:36
Color: Color
País: UK

Excelente y a la vez macabra animación realizada por el artista londinense Steve Cutts sobre la relación del hombre con su ecosistema. Un claro y directo mensaje que muestra el proceso a través del cual hemos ido devorando recursos, contaminando y destruyendo el planeta, para vivir como supuestos reyes en un mundo gobernado por el consumo atroz, la codicia y la basura. La música la pone Edvard Griege con la apropiada canción In the Hall of the Mountain King.

Robert Ford – The Corner

Título: The Corner 
Director: Robert Ford
Año: 1963
Duración: 26:45
Color: B/N
País: USA

Filmada en la esquina de Lake Street y Homan Avenue en el West Side de Chicago durante siete meses de  1963, The Corner pone su objetivo en los miembros de una de las pandillas callejeras más notorias de Chicago, los Vice Lords. A partir de una serie de entrevistas en audio, algunos de sus miembros evalúan sus códigos y actitudes habituales, y reflexionan, desde la resignación y la desesperanza, sobre su vida, sus luchas diarias y la ley de las calles.

Frank & Caroline Mouris – Coney

Título: Coney 
Director: Frank & Caroline Mouris
Año: 1975
Duración: 04:50
Color: Color
País: USA

En 1975, Frank y Caroline Mouris dirigieron juntos Coney, una mezcla de acción en vivo y pixelación que documenta y captura la energía frenética habitual del paseo marítimo de Coney Island (Nueva York). Todo en la película sirve para experimentar con el tratamiento del tiempo a través del material filmado: el uso efectivo de superposiciones, las interrupciones de tiempo, la edición rítmica, así como la banda sonora hipercinética creada por David Shoemaker.

Guy Sherwin – At the Academy

Título: At the Academy 
Director: Guy Sherwin
Año: 1974
Duración: 04:31
Color: B/N
País: UK

En la década de los setenta, Guy Sherwin estuvo vinculado a la London Film-Makers´ Co-operative y comenzó a rodar películas de corta duración como At The Academy. Realizada con el denominado Academy Leader, que se usa para la cuenta atrás al inicio de las proyecciones cinematográficas, la película explora los desplazamientos de una copia positiva y negativa en el mismo bucle, dando lugar a un curioso paralelismo en las transformaciones de la película y el sonido.

Malcolm Le Grice – Threshold

Título: Threshold 
Director: Malcolm Le Grice
Año: 1972
Duración: 13:22
Color: Color
País: UK

En Threshold, cuya imagen principal es la de unos guardias en un puesto fronterizo, Malcolm Le Grice explora varias técnicas de impresión fílmica usando filtros de color o mates, así como múltiples superposiciones e incluye una breve sección de animación abstracta generada por ordenador que realizó en el Laboratorio de Investigación de la Energía Atómica de Gran Bretaña en 1969. El título alude a ese punto en el que una imagen se convierte en una abstracción de su forma y movimiento.

Helen Levitt – In The Street

Título: In The Street 
Director: Helen Levitt
Año: 1942
Duración: 16:24
Color: B/N
País: USA

Tras colaborar como montadora en varios documentales proamericanos de Luis Buñuel durante la Segunda Guerra Mundial, Helen Levitt se une a James Agee y al pintor Janice Loeb para desarrollar dos cintas propias: In The Street (1948), sobre el Harlem hispano; y The Quiet One (1949), en torno a la vida de un crío de diez años con trastornos emocionales, con el que gana el León de Oro del Festival de Venecia y que la lleva a ser candidata al Oscar en las categorías de Mejor Guión y Mejor Película.

Marie Menken – Dwightiana

Título: Dwightiana 
Director: Marie Menken
Año: 1959
Duración: 03:17
Color: Color
País: USA

La pionera del cine experimental norteamericano Marie Menken (Go Go Go, Arabesque for Kenneth Anger) realizó Dwightiana en 1959 como homenaje al arte de su amigo Dwight Ripley, enfermo por aquel entonces. Utilizó sus propios dibujos como planos y empleó la banda sonora compuesta por su marido, el músico japonés Teiji Ito. El resultado fue definido por su colega Stan Brakhage como el ejemplo perfecto de retrato cinematográfico abstracto, al margen de toda narrativa.

Joyce Wieland – Rat Life and Diet in North America

Título: Rat Life and Diet in North America 
Director: Joyce Wieland
Año: 1968
Duración: 16:17
Color: Color
País: USA

En Rat Life and Diet in North America, fábula política y una de sus obras más célebres, Joyce Wieland construye una ficción con sus ratones, sin moverse de la mesa de la cocina de su casa. Planteada como un alegato en contra de la guerra de Vietnam y de los estamentos militares, es, sin embargo, una película ambivalente que se presta a otras lecturas: critica el estado de los derechos civiles en EEUU, pero a la vez la ingenuidad de los movimientos pacifistas tan en boga por aquel entonces.

Hollis Frampton – Less

Título: Less 
Director: Hollis Frampton
Año: 1973
Duración: 00:57
Color: B/N
País: USA

Hacia finales de 1973, el cineasta experimental y genio precoz Hollis Frampton se dio cuenta de que no había terminado una sola película en el transcurso de un año. Inmediatamente concibió y ejecutó Less, una obra definitoria desde su propio título en la que un Frampton minimalista genera un bucle de veinticuatro frames (uno por segundo) con el desvanecimiento gradual de la imagen de un desnudo, tomada por el fotógrafo conceptual Les Krims.

Jordan Belson – Allures

Título: Allures 
Director: Jordan Belson
Año: 1961
Duración: 07:17
Color: Color
País: USA

El cineasta y artista Jordan Belson creó un cuerpo fílmico abstracto enriquecido por un imaginario cosmológico y caracterizado por la exploración de la conciencia, la transcendencia y la naturaleza de la luz misma. Allures da buena cuenta de todas esas influencias. Es un montaje abstracto de espirales, caleidoscopios cruzados, patrones estroboscópicos, rejillas geométricas y formas giratorias que trasciende la animación tradicional y se emparenta con los trabajos de Oskar Fischinger.

Charlie “Brown” Davis, David “Bat” Williams, Jimmy “Country” Robinson – The Jungle

Título: The Jungle 
Director: Charlie “Brown” Davis, David “Bat” Williams, Jimmy “Country” Robinson
Año: 1969
Duración: 20:56
Color: B/N
País: USA

Calificada como tesoro nacional por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos e incluida en el Registro Nacional de Películas, The Jungle es una mirada nada inocente de un día en la vida de una pandilla de afroamericanos adolescentes de Filadelfia, rodada y protagonizada por ellos. Un trabajo, ganador del Premio de Cine Documental en el Festival de Popoli (Italia), que sorprende por su grado de sofisticación y por el uso notable de la banda sonora para acentuar su violencia estilística.

Fern Silva + Phil Cohran – Scales in the Spectrum of Space

Título: Scales in the Spectrum of Space 
Director: Fern Silva + Phil Cohran
Año: 2015
Duración: 07:18
Color: Color
País: USA

Esta sinfonía urbana en miniatura, encargada por el Chicago Film Archive y ambientada por el músico de jazz Phil Cohran, entrelaza imágenes de treinta películas que representan el ritmo de esta metrópoli vertical y sus patrones arquitectónicos. Un collage pop visual y sonoro que recuerda el trabajo de Bruce Conner y Shirley Clarke, y que cartografía la ciudad desde una óptica peculiar y poco ortodoxa, desechando como opción el montaje cronológico.

Sidney Meyers – The Quiet One

Título: The Quiet One 
Director: Sidney Meyers
Año: 1948
Duración: 01:03:56
Color: B/N
País: USA

The Quiet One aparece reseñada en los libros de historia como un clásico del drama documental, con dos nominaciones al Oscar en 1949 (Mejor Guión y Mejor Documental), y como una de las películas que asentaron las bases del nuevo cine americano. Crónica de la rehabilitación de un joven con trastornos emocionales, este largo es al mismo tiempo el acercamiento semidocumental a la vida de un personaje marginal como el retrato sin ambages de un país y de su sistema educativo.

Jean-Claude Rousseau – Jeune femme à sa fenêtre lisant une lettre

Título: Jeune femme à sa fenêtre lisant une lettre
Director: Jean-Claude Rousseau
Año: 1983
Duración: 46:00
Color: Color
País: Francia

Jean-Claude Rousseau rodó sus primeras películas en súper-8, montando después las bobinas íntegras: son filmes de gran sensibilidad a la variación de la luz, íntimos, meditativos y austeros, en los que “mostrar menos permite dar a ver más”. Jeune femme à sa fenêtre lisant une lettre, su primera película, parte del cuadro de Vermeer para indagar en sus motivos y formas compositivas (la ventana, el mapa, una carta, el cuadro, la modelo, la luz…), desde las posibilidades rítmicas del cine.

Yoko Ono – Cut Piece

Título: Cut Piece
Director: Yoko Ono
Año: 1965
Duración: 08:08
Color: B/N
País: USA

Cut Piece es el nombre de la primera performance de la artista visual Yoko Ono, realizada en 1964 en el Yamaichi Concert Hall, en Kyoto, Japón. Ono, sentada inmóvil en el escenario, adoptando una postura femenina tradicional, se presenta a sí misma como objeto e invitaba a los espectadores a involucrarse cortando un trozo de su vestido. Mediante este acto, quiso poner de manifiesto la violencia que, muchas veces de manera encubierta, se desarrolla en la sociedad en la que vivimos.

Anna Thew – Cling Film

Título: Cling Film
Director: Anna Thew
Año: 1993
Duración: 21:21
Color: Color + B/N
País: UK

A medio camino entre el cine pornográfico sin prejuicios y el cine social de denuncia, Cling Film viaja humorística e imprudentemente a través de un catálogo de encuentros y percances sexuales para poner en solfa la estrategia represiva de los medios de comunicación en su cobertura de la infección del VIH y el SIDA antes del cambio de milenio. Un ataque enérgico y frontal contra la censura y sus compañeros de cama: la mojigatería, la culpa y la vergüenza.

Keith Fullerton Whitman – Twin Guitar Rhodes Viola Drone (For Lamonte Young)

Título: Twin Guitar Rhodes Viola Drone (For Lamonte Young)
Director: Keith Fullerton Whitman
Año: 2013
Duración: 07:33
Color: B/N
País: USA

Vídeo no oficial del tema Twin Guitar Rhodes Viola Drone (For Lamonte Young), publicado por Keith Fullerton Whitman en Antithesis (Kranky, 2004). Casi diez años después de su lanzamiento, Michael James Lewis recupera unas imágenes de la instalación Light Music, de Lis Rhodes, grabadas en la Tate de Londres en 1975 y así consigue dotar de movimiento y dinamismo al sonido quebrado del músico norteamericano artífice de Generators, Playthroughs y Multiples.

Robert Beavers – From the Notebook Of

Título: From the Notebook Of...
Director: Robert Beavers 

Año: 1971-1998

Duración: 47:30

Color: Color

País: USA

Completado en 1971 y re-editado junto con el resto de su obra en los 90, From the Notebook of... es un documento del proceso cinematográfico de Robert Beavers, una obra que gira hacia su interior para revelar su propia estructura y naturaleza, mientras reflexiona sobre la práctica de hacer arte. Inspirado por el ensayo Introducción al método de Leonardo Da Vinci de Paul Valéry, la película consta de tomas de las notas de Beavers, instrucciones y herramientas, junto con distintas ubicaciones de la ciudad de Florencia.

Hugo & Marie – Alignments

Título: Alignments
Director: Hugo & Marie 

Año: 2017

Duración: 01:44

Color: B/N

País: Canadá

El productor de música electrónica Thunder Tillman recurrió a Mario Hugo y Johnny Lee, cineasta y diseñador respectivamente, para que trabajaran la luz y el sonido en este vídeo para el multiinstrumentista sueco. Perteneciente al álbum Jaguar Mirror, la colaboración parte de los elementos más simples para crear las imágenes más evocadoras. Un trabajo, según sus autores, inspirado por las secuencias de sintetizadores y las formas y colores de la televisión de los 80.

James Benning – 13 Lakes

Título: 13 Lakes
Director: James Benning

Año: 2004

Duración: 03:08:29

Color: Color

País: USA

En solo trece tomas de cámara estáticas, cada una de diez minutos de duración, James Benning invita al espectador a contemplar el contexto de trece lagos repartidos a lo largo y ancho del territorio de los Estados Unidos. En escenas sucesivas, Benning contrasta el agua y el cielo, evocando los ricos y variados matices de color, formas y texturas que están en juego en la naturaleza, y abre paso a la imaginación con el sonido de los pájaros, los silbidos de tren o los disparos escuchados en la distancia.

Germaine Dulac – Disque 957

Título: Disque 957
Director: Germaine Dulac 

Año: 1928

Duración: 05:23

Color: B/N

País: Francia

En Disque 957, Germaine Dulac intentó recrear visualmente los motivos del Preludio en B bemol de Frédérique Chopin, que fue inspirado, según George Sand, por un día gris y lluvioso en La Grande Chartreuse, en Mallorca. Clasificada como abstracta por la mayoría de los historiadores, la película es una experiencia de "cine puro”: un cine que ha repudiado el habla para ser exclusivamente un lenguaje icónico, vehículo de sensaciones y emociones, igual a la música.

Lech Kowalski – Gringo: Story Of A Junkie

Título: Gringo: Story Of A Junkie 
Director: Lech Kowalski  

Año: 1987

Duración: 01:18:00

Color: Color

País: USA

Lech Kowalski pasó cuatro meses en el Lower East Side de Nueva York rodeado de yonquis. Poco a poco ganó su confianza y fue autorizado a llevar su cámara para filmarlos. El resultado es esta docuficción. Su protagonista principal es John Spacely. Su sobrenombre, Gringo, da título a la película. Es él quien guía al director en su viaje por el mundo de la heroína. Financiada por Troma, productora bizarra donde las haya, la película se convirtió en un mito en los arrabales de la drogadicción.

Bill Morrison – Light Is Calling

Título: Light Is Calling
Director: Bill Morrison 

Año: 2004

Duración: 08:11

Color: Color

País: USA

Bill Morrison ha dedicado las dos últimas décadas a explorar los fondos de archivos y filmotecas en busca de imágenes olvidadas con las que construir sus películas. En Light Is Calling, recupera un negativo original de The Bells, un melodrama de época rodado en 1926 por James Young, perdido en la Biblioteca del Congreso, y escenifica una extraña lucha entre la variaciones sufridas por el celuloide en descomposición y las formas que aparecen en la película.

Hollis Frampton – Not the First Time

Título: Not the First Time
Director: Hollis Frampton

Año: 1976

Duración: 04:49

Color: Color

País: USA

Las películas de Hollis Frampton —incansablemente eclécticas, activas, autobiográficas y líricamente poéticas— se resisten a la simple catalogación tal como demuestra Not the First Time. Un trabajo que experimenta con la doble exposición de tomas casi iguales pero que se hicieron en diferentes momentos y con un encuadre ligeramente distinto. El espectador se involucra así en un proceso de doble visión que lo devuelve a la imagen de una manera mucho más compleja, autoconsciente y temporal.

Emily Richardson – Nocturne

Título: Nocturne
Director: Emily Richardson
Año: 2002

Duración: 04:59

Color: Color

País: UK

Nocturne es una película de cinco minutos rodada enteramente de noche en calles desiertas de Londres y los Docklands. Un paisaje, desprovisto de tráfico y actividad humana, donde el silencio adquiere una importancia especial y se convierte en elemento activo gracias a algunos sonidos habituales que tendemos a filtrar hasta hacerlos imperceptibles: el ruido sordo de los coches en la distancia, los aviones volando sobre la cabeza, las voces ocasionales o los pasos de la gente que pasa a escasos metros de la cámara.

Werner Nekes – Abbandono

Título: Abbandono
Director: Werner Nekes  

Año: 1970

Duración: 32:20

Color: Color

País: Alemania

La versatilidad instrumental del compositor inglés Anthony Moore le sitúa entre los contextos de la vanguardia más minimalista y los de la música popular progresiva. Una curiosa intersección sonora que aplica magistralmente en la banda sonora de Abbandono del cineasta alemán Werner Nekes, dando lugar a distintas secuencias de cadencias profundamente repetitivas, extáticas e hipnóticas que se elevan a un crescendo agudo que luego inevitablemente se esfuma.

Solomon Nagler & Alexandre Larose – J.

Título: J.
Director: Solomon Nagler & Alexandre Larose 

Año: 2008

Duración: 06:31

Color: B/N

País: Canadá

Solomon Nagler y Alexandre Larose son dos conocidos cineastas canadienses experimentales, miembros de Collectif Jeune Cinema. En J. utilizan las imágenes de películas encontradas en el contenedor de un orfanato para construir un muy particular alegato contra el trauma infantil. El color blanco, primordial en la ejecución del filme, se disuelve en tonalidades oscuras cada vez más densas y da lugar a un extraño ritual donde las caras de distintos niños aparecen y desaparecen.

Tim Slessor – George Best

Título: George Best 

Director: Tim Slessor

Año: 1969

Duración: 25:32

Color: Color

País: UK

La colección Orphan Works acaba de hacer pública a través del canal de Youtube del British Film Institute esta pequeña joya sobre el mítico futbolista inglés George Best en un momento crucial de su carrera. En 1969, tiene solo 22 años, ya es una figura mundial y el estilo de vida de estrella pop comienza a sembrar sombras de duda sobre su futura trayectoria, hasta entonces apoteósica. Las entrevistas son de Michael Parkinson, un par de años antes de dar el salto a la BBC.

Steve Cutts – Happiness

Título: Happiness 

Director: Steve Cutts 

Año: 2017

Duración: 04:16

Color: Color

País: UK

No es nuevo el tono sarcástico y crítico de Steve Cutts a la hora de abordar sus proyectos de ilustración y animación, más allá de los convencionalismos al uso. Sus demoledores trabajos ponen el acento en la sociedad alienada y abocada al consumismo, y en Happiness, su último corto de animación, lo representa a través de la metáfora de la carrera de la rata para hacernos pensar si realmente es ésta la vida que queremos y el lugar donde encontrar la felicidad.

Makino Takashi – Ghost of OT301

Título: Ghost of OT301 

Director: Makino Takashi

Año: 2014

Duración: 08:50

Color: Color

País: Japón

Makino Takashi estudió música y diseño de iluminación en el taller londinense de los hermanos Quay en el año 2001. Posteriormente se consagró a la creación experimental, dirigiendo decenas de proyectos multidisciplinares y colaborando con artistas audiovisuales de todo el planeta. Aquí recopila una selección de las imágenes que utilizó en la presentación del grupo Inconsolable Ghost en la Sala OT 301 de Amsterdam el 30 de enero de 2014.

María Cañas – Holy thriller

Título: Holy thriller 

Director: María Cañas 

Año: 2011

Duración: 02:31

Color: B/N 

País: España

Holy Thriller muestra a Michael Jackson mártir pop, homenajeado en una versión sacro pop por una banda cofrade de la Semana Santa. Un hilarante vídeo de la artista y activista multimedia María Cañas que hermana el histérico fenómeno fan de la cultura pop y las solemnes manifestaciones de la pasión religiosa, al tiempo que enfatiza cómo ambos espectáculos, con tantas diferencias como similitudes, sumergen a su audiencia en un éxtasis colectivo.

Young G. Woo – Light

Título: Light

Director: Young G. Woo

Año: 2017

Duración: 01:05

Color: B/N 

País: USA

Una de las obsesiones de Young Woo es observar detenidamente cómo la luz se refleja e interactúa con cada objeto que encuentra a su paso, proporcionándole una vida hermosa e inesperada. Con esta premisa, el joven ilustrador y animador decidió tirar adelante Light, un proyecto que da rienda suelta a esa inquietud y visualiza la luz mediante el uso de distintos espacios en blanco y negro, trabajados minuciosamente con el programa de ordenador After Effects.

Andrés Peña – Wes Anderson’s Color

Título: Wes Anderson / Color
Director: Andrés Peña
Año: 2016
Duración: 01:42
Color: Color
País: Colombia

Creado por Andrés Peña, este video ensayo analiza el uso del color en las películas del director Wes Anderson, mostrando las paletas utilizadas en varias escenas de The Grand Budapest Hotel, The Royal Tenenbaums y Moonrise Kingdom. Un sencillo trabajo que demuestra cómo el cineasta estadounidense crea y cuida minuciosamente su estética del color y donde es fácil comprobar cómo la elección cromática refleja el sentir del personaje y su posición dentro de la trama. 

Lauren Pedrosa – perspective ǝʌᴉʇɔǝdsɹǝԀ

Título: perspective ǝʌᴉʇɔǝdsɹǝԀ
Director: Lauren Pedrosa
Año: 2017
Duración: 01:00
Color: Color
País: USA

La diseñadora y animadora Lauren Pedrosa, desmantela, reimagina y reconstruye una variedad de edificios y perspectivas imposibles en este cortometraje breve pero increíblemente conciso. Un trabajo que habla de la belleza de la estructura misma y de la simetría como fuente de cordura e inspiración. Las formas deconstruidas y repetidas dibujan y resaltan los más altos ideales de la arquitectura y el diseño: proporcionar luz en la oscuridad y un patrón en medio del caos.

Case Jernigan – Zombie Boyfriend

Título: Zombie Boyfriend
Director: Case Jernigan
Año: 2017
Duración: 02:57
Color: Color
País: USA

El artista neoyorquino Case Jernigan rinde homenaje a algunas de sus influencias favoritas de la cultura pop con este divertido corto que tiene lugar en un Brooklyn post apocalíptico poblado de zombies, hecho con papel y en stop-motion. Una manera muy personal de dar respuesta a los turbulentos tiempos políticos que sufren hoy los Estados Unidos y también un viaje nostálgico a los años 80 y a su iconografía en el cine, el arte, el cómic y los videojuegos.

George Herriman – Krazy Kat and Ignatz Mouse at the circus

Título: Krazy Kat and Ignatz Mouse at the circus
Director: George Herriman
Año: 1916
Duración: 03:19
Color: B/N
País: USA

Fritz Lang, T. S. Elliot, Gertrude Stein, Pablo Picasso o Willem de Kooning son algunos de los ilustres personajes que idolatraban las aventuras de Krazy Kat: la tira cómica que George Herriman publicó en medios escritos la primera mitad del siglo XX, gracias al apoyo del magnate de la comunicación William Randolph Hearst. En 1916, sólo tres años después de su debut en la prensa diaria neoyorquina, dio el salto a la tele, para abrirle los ojos a Richard Outcault, Winsor McCay o Walt Disney, entre muchos otros.

Jacopsen – Uni dia (from Alva Noto)

Título: Uni dia (from Alva Noto)
Director: Jacopsen
Año: 2014
Duración: 05:51
Color: Color
País: Italia

Figura clave de la vanguardia y la investigación electrónica de este siglo, Alva Noto continua aquí el proyecto iniciado con unitxt: un universo sonoro donde colisionan los tonos puros de los ritmos digitales y microsonidos del productor alemán con un enfoque techno que obliga a pensar en música de baile para galerías de arte. Jacopsen, del colectivo de VJs Aelion Project, pone los visuales y consigue sin dificultad una sincronía y precisión casi científicas.